Production musicale : comment produire un morceau quand on débute ?
Produire un morceau peut sembler extrêmement technique lorsqu’on ouvre un logiciel de production pour la première fois.
Des pistes. Des plugins. Des instruments virtuels. Des waveforms. De l’EQ, de la compression, de la reverb, du MIDI…
On peut rapidement avoir l’impression qu’il faut comprendre tout cela avant même de commencer.
En réalité, la logique est beaucoup plus simple.
Produire un morceau, c’est réunir différents éléments sonores et musicaux, puis les organiser et les faire cohabiter jusqu’à ce qu’ils forment un tout.
Un beat ou un rythme.
Une basse.
Une mélodie ou des accords.
Un instrument virtuel, un sample ou un instrument enregistré.
Une voix.
Parfois seulement quelques-uns de ces éléments suffisent.
Le travail de production consiste ensuite à décider ce qui joue, quand, à quel niveau, avec quelle place dans le morceau et avec quel son.
Un morceau est fait de plusieurs éléments qui doivent fonctionner ensemble
Dans un DAW, c’est-à-dire un logiciel de production musicale comme Ableton Live, FL Studio, Logic Pro, Pro Tools ou Cubase, les différents éléments du morceau sont généralement répartis sur plusieurs pistes.
Certaines contiennent de l’audio enregistré.
D’autres du MIDI qui contrôle un instrument logiciel.
D’autres encore des samples ou des éléments programmés directement dans le logiciel.
Ce qui compte n’est pas tellement la manière dont le son a été créé.
Ce qui compte est la manière dont toutes ces pistes finissent par fonctionner ensemble.
Une basse peut très bien sonner seule et prendre beaucoup trop de place lorsqu’on ajoute le reste.
Une voix peut sembler un peu fine lorsqu’on l’écoute isolément et trouver exactement sa place dans le morceau.
Un élément musical intéressant peut finalement être inutile parce que trois autres éléments remplissent déjà le même rôle.
Produire, c’est donc progressivement passer de :
J’aime bien chacun de ces sons.
à :
Est-ce que l’ensemble fonctionne ?
Enregistrement et production sont différents, mais ils s’entremêlent
Enregistrer et produire ne sont pas exactement la même chose.
Enregistrer, c’est capturer ou créer la matière qui va alimenter certaines pistes.
Tu peux enregistrer une voix dans un micro, une guitare, un autre instrument ou n’importe quelle source audio.
Mais dans beaucoup de productions actuelles, le morceau commence à exister avant même le premier enregistrement.
Tu peux commencer par un rythme, quelques accords, une basse, un instrument virtuel ou un sample.
Modifier la structure. Changer certains sons. Créer déjà une première ambiance. Puis enregistrer une voix.
Et ensuite revenir sur l’instrumental parce que la voix te fait comprendre qu’il faut enlever, ajouter ou déplacer quelque chose.
La production n’est donc pas forcément une succession rigide :
composer → enregistrer → produire.
C’est souvent un processus beaucoup plus circulaire :
créer → écouter → enregistrer → modifier → réécouter → arranger → recommencer.
Si ton objectif est surtout de comprendre comment réaliser une première prise, tu peux aussi consulter notre guide Comment enregistrer sa première chanson ?.
Commence simplement
Une erreur fréquente lorsqu’on découvre la production consiste à vouloir immédiatement tout utiliser.
Plus de pistes. Plus de plugins. Plus d’effets. Plus de possibilités.
Mais produire davantage de choses ne signifie pas forcément produire un meilleur morceau.
Une règle simple peut être particulièrement utile lorsqu’on débute :
si quelques éléments simples ne fonctionnent déjà pas ensemble, ajouter des couches ne résoudra probablement pas le problème.
Commence par faire fonctionner l’essentiel.
Un rythme. Une basse. Quelques éléments musicaux. Éventuellement une voix.
Écoute ce qui manque réellement avant d’ajouter quelque chose.
Cette manière de travailler permet également de mieux comprendre chaque décision.
Si tu enregistres une voix, la qualité de la prise est essentielle
Une bonne production commence aussi par une bonne matière première.
Dans les studios, c’est une des erreurs que l’on observe régulièrement chez les personnes qui enregistrent pour la première fois.
Le problème ne vient pas forcément de la voix ou de la performance.
Il vient parfois simplement de la prise.
La personne se place mal devant le micro. Elle bouge beaucoup pendant qu’elle chante. Le niveau d’entrée est mal réglé. La pièce apporte trop de réflexions. Des plosives apparaissent.
Et après l’enregistrement, on essaie de réparer tout cela avec des effets.
Il est presque toujours préférable de consacrer quelques minutes de plus avant d’enregistrer.
Fais une vraie balance avant d’appuyer sur Record
Lorsque tu enregistres avec un micro, ton signal passe par ton interface audio avant d’arriver dans ton logiciel.
Le gain d’entrée détermine notamment le niveau auquel ce signal est enregistré.
S’il est trop élevé, tu risques de saturer l’entrée et de créer du clipping.
S’il est beaucoup trop faible, tu devras remonter fortement la piste ensuite.
L’objectif n’est donc pas d’enregistrer le plus fort possible.
Il faut conserver une marge tout en captant un signal suffisamment propre.
Pour un débutant, la méthode est simple :
fais réellement le passage le plus fort avant l’enregistrement et regarde les niveaux.
Chante comme tu vas chanter.
Ne fais pas une petite vérification à mi-voix avant de commencer une prise beaucoup plus intense.
Le signal doit rester correctement dans sa zone de fonctionnement sans atteindre le rouge lorsque tu chantes plus fort.
Cette balance prend quelques minutes et peut éviter énormément de corrections ensuite.
Garde une position relativement constante devant le micro
La distance entre ta bouche et le micro influence fortement le son enregistré.
Si tu avances et recules constamment, le niveau et parfois la couleur de la voix vont changer pendant la prise.
Cela compliquera ensuite le travail de production.
Pas besoin de rester parfaitement immobile.
Mais il faut comprendre que le micro fait partie de ta manière de chanter.
Trouve une distance qui fonctionne. Utilise un filtre anti-pop lorsque c’est nécessaire. Évite une position qui provoque des plosives importantes et essaie de conserver suffisamment de stabilité pendant la prise.
Une voix régulièrement enregistrée sera beaucoup plus facile à travailler qu’une voix qui change constamment de niveau avant même d’avoir appliqué le moindre traitement.
La pièce est également enregistrée
Un micro ne capte pas uniquement ta voix.
Il capte aussi ce qui se passe autour : une pièce très réverbérante, des réflexions sur des murs durs, un bruit extérieur, une ventilation ou d’autres sons présents dans la pièce.
Plus ces éléments entrent dans l’enregistrement, plus ils feront ensuite partie de ta matière première.
Et il est généralement plus facile d’ajouter volontairement une reverb à une voix propre que d’essayer de retirer une mauvaise acoustique déjà enregistrée.
Le choix et l’acoustique de l’espace dans lequel tu enregistres ont donc une influence réelle sur la production finale.
Ne commence pas par les effets
C’est probablement l’un des réflexes les plus fréquents lorsque quelqu’un enregistre sa voix pour la première fois.
La prise vient d’être faite et la question arrive immédiatement :
On peut mettre de l’Auto-Tune ? Une reverb ? Du delay ? Un autre effet ?
Bien sûr.
Tous ces outils peuvent avoir une vraie fonction artistique.
Le problème n’est pas de les utiliser.
Le problème est de les utiliser avant d’avoir vérifié si la matière de base fonctionne.
Une voix mal enregistrée ne devient pas automatiquement bonne parce qu’on lui ajoute plusieurs effets.
Commence par écouter la prise.
Est-elle suffisamment propre ? Le niveau est-il cohérent ? La performance est-elle bonne ? La voix fonctionne-t-elle avec la musique ?
Si la réponse est non, demande-toi d’abord pourquoi.
L’effet viendra ensuite.
Une fois tes pistes en place, écoute d’abord ce que tu as
Imaginons que ton morceau commence à prendre forme.
Tu as plusieurs pistes. Peut-être plusieurs prises de voix. Plusieurs sons possibles pour certains éléments.
Ne commence pas nécessairement par ajouter des plugins partout.
Écoute.
Si tu disposes de plusieurs prises, choisis les meilleures.
Supprime ce qui n’apporte rien. Corrige ce qui doit réellement l’être.
Parfois, le meilleur moyen d’améliorer une piste est simplement de refaire une prise ou de choisir une meilleure version.
Ce travail de sélection et d’édition est une véritable partie de la production.
Tu peux travailler piste par piste, mais le morceau reste la référence
Personnellement, j’aime commencer par comprendre chaque piste séparément.
Si une piste contient un problème évident, il est plus facile de l’identifier avant qu’elle soit noyée au milieu des autres.
Mais il y a une limite importante :
une piste n’a pas besoin de sonner parfaitement lorsqu’elle est seule. Elle doit fonctionner dans le morceau.
C’est pourquoi il faut régulièrement revenir à l’écoute de l’ensemble.
Tu peux donc alterner entre deux questions :
Est-ce que cette piste a un problème ?
et :
Est-ce que cette piste trouve sa place avec les autres ?
La deuxième question est finalement la plus importante.
Commence le mix avec les volumes
Avant de sortir un EQ ou un compresseur, utilise tes faders.
Monte une piste. Baisse-en une autre. Écoute.
Quelle est la priorité du morceau ?
La voix doit-elle être clairement devant ? Le rythme prend-il trop de place ? La basse est-elle suffisamment présente ? Un élément attire-t-il inutilement ton attention ?
Avec les volumes seuls, tu peux déjà modifier considérablement la perception du morceau.
C’est également une excellente manière d’apprendre, parce qu’elle t’oblige à écouter le résultat plutôt qu’à chercher immédiatement une solution dans un plugin.
Fais ensuite de la place
Lorsque plusieurs éléments jouent ensemble, ils peuvent commencer à se gêner.
Ils peuvent occuper des fréquences proches, être tous très présents, se retrouver tous au centre ou simplement jouer trop de choses simultanément.
L’EQ permet de travailler les fréquences et notamment de réduire certains masquages entre les éléments.
Le panoramique permet de placer certains sons davantage à gauche ou à droite dans l’espace stéréo.
Mais il ne faut pas oublier une solution encore plus simple :
l’arrangement.
Si deux éléments se gênent constamment, ils n’ont peut-être tout simplement pas besoin de jouer ensemble à ce moment-là.
Produire ne consiste donc pas uniquement à modifier le son des pistes.
Cela consiste aussi à décider quand elles doivent exister.
Utilise la compression parce qu’elle sert à quelque chose
La compression est un outil fondamental de la production.
Elle permet notamment de contrôler la dynamique d’un signal.
Mais cela ne signifie pas que chaque piste doit automatiquement recevoir un compresseur.
Avant d’en utiliser un, essaie de savoir ce que tu veux obtenir.
Une voix comporte-t-elle des passages difficiles à maintenir à un niveau cohérent ? Une piste manque-t-elle de stabilité ? Souhaites-tu volontairement modifier sa dynamique ?
Alors la compression peut devenir utile.
Mais lorsque tu ne sais pas encore pourquoi tu appliques un traitement, mieux vaut parfois commencer sans lui et écouter ce qui pose réellement problème.
L’arrangement musical fait autant partie de la production que les plugins
Un morceau n’est pas seulement une collection de sons bien traités.
Il évolue dans le temps.
Certains éléments apparaissent. D’autres disparaissent. Une partie peut être très simple pour laisser davantage de place à la voix. Une autre peut devenir plus dense. Un break peut créer de l’attente. Un nouvel élément peut apparaître uniquement pour quelques mesures.
C’est l’arrangement musical.
Et il peut résoudre énormément de problèmes que l’on essaie parfois inutilement de régler avec des traitements.
Si tout joue en même temps pendant tout le morceau, le mix devra constamment lutter pour créer de l’espace.
Parfois, produire consiste simplement à enlever quelque chose.
Un workflow simple pour produire ton premier morceau
1. Construis une première idée.
Un rythme, quelques accords, une mélodie, un sample, une voix ou n’importe quel élément qui te donne une direction.
2. Ajoute seulement ce dont le morceau a besoin.
Évite d’empiler des pistes uniquement parce que tu peux le faire.
3. Construis progressivement l’arrangement.
Décide ce qui joue et à quel moment.
4. Si tu enregistres, prends le temps de bien le faire.
Position, acoustique et niveau d’entrée comptent.
5. Choisis et nettoie ta matière.
Garde les meilleures prises et enlève ce qui ne sert pas.
6. Commence par équilibrer les volumes.
7. Donne ensuite une place aux éléments.
Arrangement, panoramique, EQ et éventuellement compression.
8. Ajoute les effets pour une raison.
Pas simplement parce qu’ils sont disponibles.
9. Réécoute toujours l’ensemble.
Tu affineras progressivement cette méthode avec l’expérience.
Produire, c’est apprendre à prendre de meilleures décisions
Au début, on pense facilement que la production musicale consiste surtout à apprendre des outils.
Quel plugin utiliser ? Quel EQ ? Quel compresseur ? Quel instrument virtuel ?
Ces connaissances deviennent utiles.
Mais produire consiste avant tout à prendre des décisions :
Cette piste apporte-t-elle quelque chose ? Cette prise est-elle suffisamment bonne ? Cet élément doit-il être plus fort ? Est-ce que la voix trouve sa place ? Ai-je réellement besoin de cet effet ? Le morceau devient-il meilleur lorsque j’ajoute cette piste… ou lorsque je l’enlève ?
Et plus tu produis, plus ces décisions deviennent naturelles.
Si tu veux apprendre la MAO ou simplement faire une première prod, tu n’as donc pas besoin de maîtriser tout un studio avant de commencer.
Commence avec quelques éléments.
Fais-les fonctionner ensemble.
Puis complexifie uniquement lorsque le morceau en a besoin.
Parce qu’au fond, produire un morceau consiste à partir de plusieurs éléments séparés et à leur donner progressivement une place jusqu’à ce qu’ils deviennent un tout.
